quattro libri dell’architettura (1570) rappresentano la summa architettonica del tardo Rinascimento e il distillato della sapienza di Palladio (di cui ricorrono, nel 2018, 510 anni dalla nascita): una sapienza empirica, costruttiva, raffinata, lungamente ricercata e modellata sul fondamentale exemplum di due illustri predecessori: Marco Vitruvio Pollione e Leon Battista Alberti. In nessun modo tuttavia Palladio può essere considerato un semplice imitatore: la materia architettonica trattata – quadripartita in dottrina classica degli ordini, edifici dei privati cittadini, costruzioni di pubblica utilità, architettura religiosa antica – pur prendendo avvio dall’attenta lettura e dal rilievo del patrimonio monumentale dei Romani, si è trasformata in invenzione originale. Il “nuovo” classico di Palladio è lontano da ogni neoclassicismo di maniera: ciò che vive nella sua architettura è un sistema di relazioni necessarie, perfettamente calcolate: proporzionalità in cui geometria e musica si armonizzano.

Marc Chagall è fra i pittori che ha ispirato il maggior numero di poeti, scrittori e critici militanti del Novecento. Per questo Marc Chagall come nella pittura così nella poesia edito da Electa in occasione dell’omonima mostra inaugurata a Mantova il 5 settembre 2018, oltre a restituire le influenze e le contaminazioni artistiche e culturali che Chagall assorbì vivendo a Vitebsk, San Pietroburgo, Parigi e Mosca, racconta la fascinazione che il pittore russo esercitò su poeti, artisti, letterati dell’inizio del secolo scorso, attraverso una ricca raccolta di scritti, molti tradotti in italiano per la prima volta. La pittrice Marevna descrive Chagall durante il suo soggiorno a Parigi (dove si trasferì nel 1910) come un personaggio del tutto a sé: “Estremamente seducente, sicuro di sé e pieno d’ambizione, abbandona molto presto il gruppo degli emigrati per avvicinarsi all’ambiente dell’avanguardia internazionale. 

l progetto “Ascetic Sign”, ideato da Patrizia Patti, vuole analizzare, in maniera innovativa, il ruolo educativo dell’arte e dell’artista nella nostra epoca, indicando l’opportuna distinzione tra la vera arte e ciò che è, invece, esclusiva decorazione, artigianato o divertissement. Tale distinzione è valida anche per le scienze, dove gli operatori tecnici, seppur bravi, sono diversi dagli inventori geniali che creano qualcosa di universale. In effetti artisti e scienziati hanno uno stesso comune processo creativo, il cui risultato produce sempre qualcosa di nuovo, di vero e di bello. Senza queste tre peculiarità non vi è arte universale, né scienza innovativa avanzata. Questi ingegni creativi evoluti, secondo l’autrice, possono essere individuati da un limpido segno ascetico, un segno mistico d’amore universale che identifica e distingue, da tutte le altre, le loro luminose intelligenze dello spirito.

Leggendo questo libro si viene introdotti nel vasto e ancora poco conosciuto mondo del colore. Aspetti noti e originali di questo mondo si intrecciano in una unità organica che è più della semplice somma di particolari. Diversi punti di vista si susseguono, e insieme contribuiscono a destare nel lettore un’immagine sempre più completa di questo colorato universo. Il colore è una realtà viva. La sua qualità non risiede nel pigmento, e nemmeno nella vibrazione con cui si manifesta nello spazio. Dal mondo soprasensibile delle “Qualità” esso suscita effetti nel soggetto attraverso la superficie colorata. 

Una serie di bellissime monografie d'arte, caratterizzata dalla forte attenzione alla biografia dell'artista, aperture sul contesto in cui ha vissuto, curiosità e approfondimenti di argomenti particolari. Una sorta di raccolta enciclopedica sui più grandi artisti di ogni tempo, ma con una particolare attenzione al periodo contemporaneo. Il corredo illustrativo è decisamente ampio: tutti i capolavori di ogni artista, immagini di confronto, fotografie di luoghi e personaggi, cartine di orientamento. Per scoprire i segreti di vite straordinarie che sembrano opere d'arte.

La pittura di Gustav Klimt (Vienna 1862 - Neubau 1918) è tutt'uno con l'immagine della Vienna al culmine del suo periodo più fulgido, la Belle Epoque, quando tra Otto e Novecento era la capitale delle arti e del gusto, alla guida dell'Europa colta e benestante. Un periodo dorato destinato a chiudersi con la prima guerra mondiale. Klimt è il ritrattista principe di quel momento cruciale: le sue figure femminili sono ancora oggi considerate icone ineguagliate di eleganza e sensualità. Nello spirito della collana, il libro si propone come un prodotto editoriale ricco di contenuti e di immagini, con veste grafica e una confezione di pregio. Un prodotto di qualità a prezzo contenuto.

Frida Kahlo (1907-1954) è una delle icone del nostro tempo: con la sua pittura e, forse ancor più, con la sua stessa immagine, fotografica e dipinta. Il suo volto, il suo corpo, perfino le sue ferite, gli amori e le tragedie sono la carne viva della sua pittura intensa e violenta, che attinge ai colori della sua terra, il Messico. Una versione arricchita e rimodellata della monografia di ''Art e Dossier'' - firmata da uno dei più importanti critici d'arte italiani e dalla scrittrice messicana che meglio ha saputo raccontare la vita e l'arte di Frida Kahlo.

Dodici scatole di sigari Avana, sul fondo delle quali Orson Welles aveva disegnato alcuni 'studi' per i personaggi shakespeariani, che di lì a poco avrebbe messo in scena nella versione cinematografica del "Mercante di Venezia". Regalate agli inizi degli anni '70 da Welles a Angelo Francesco Lavagnino, amico, collaboratore e compositore di tutte le colonne sonore wellesiane di derivazione shakespeariana, sono state recentemente esposte alla Mostra d'Arte Cinematografica di Venezia e al Museo del Cinema di Torino. Le riproduzioni fotografiche dei bozzetti vengono presentate in questo libro insieme al contributo di alcuni esperti di letteratura inglese, musica e cinema. A cura di Alessandra, Bianca e Judica Lavagnino. Presentazione di Alberto Barbera.

Kire – vale a dire l’azione del «tagliare via» e del «recidere» – costituisce per Ryōsuke Ōhashi una categoria estetica e insieme una pratica che permea trasversalmente l’arte giapponese, dall’architettura alla scultura, dalla poesia alla pittura, dalla Via dei fiori a quella del tè e della spada. Kire rappresenta d’altro canto l’abbreviazione della formula kire-tsuzuki, che esprime l’esperienza della «dis/continuità», della «continuità del taglio» tra il fare artistico e l’irriflessa immediatezza della natura.