Nel 1895 il giovane Kandinsky, trovandosi di fronte a un 'pagliaio' di Monet, a Mosca, confessa di non essere riuscito a riconoscere nel quadro l''oggetto', ma di essere rimasto sconvolto dalla forza incredibile della tavolozza del pittore francese. Da quella folgorante esperienza ha inizio una lunga evoluzione parallela che trova espressione a un tempo nell'opera pittorica, dal 1910 sempre più motivata in senso astratto e negli scritti teorici, con i quali Kandinsky interviene ripetutamente nella discussione sulle arti.
Questi scritti in cui l'opera d'arte viene analizzata, ridotta ai suoi componenti elementari - il punto, la linea, i colori, le tensioni - e poi ricostruita attraverso lo studio della composizione, testimoniano del costante approfondimento dell'autore verso una difficile verità artistica e sono arricchiti da un'esperienza che riflette via via gli eventi esterni della sua esistenza: dallo studio del diritto a Mosca, agli studi artistici e poi all'insegnamento in Germania, ai viaggi in Italia e in altri paesi, al ritorno in Germania e al periodo d'insegnamento al Bauhaus, agli ultimi anni trascorsi in Francia, dove si rifugiò per non sottostare alla dittatura nazista.

L’approccio dell’architetto verso la progettazione di una chiesa, prefigurazione spaziale e sensoriale della Gerusalemme celeste, deve giocoforza superare le dinamiche proprie del disegno di un edificio civile: oggi come ieri, l’architettura di una chiesa deve essere in grado di dimostrare a chi è entrato nell’edificio che ha varcato il fanum, ha superato la soglia del sacro. I quattro saggi che compongono questo libro, solidamente costruiti attorno al dettato della Scrittura e al magistero della Chiesa, si propongono come spunti di meditazione su alcuni degli elementi essenziali attorno ai quali sviluppare il progetto di costruzione o adeguamento di un edificio di culto: la musica, la luce, i poli liturgici, le proporzioni.

Fin dall'inizio del concepimento di Trentatré haiku, mi sono chiesto come fare miei attraverso la pittura dei componimenti poetici scritti secoli fa; come cercare un dialogo con essi che fosse autentico, e che non partisse da una descrizione o da un'interpretazione didascalica dei versi, né da un'illustrazione nel senso classico del termine, né dall'imitazione di una tecnica pittorica giapponese che non facesse parte della mia ricerca. A partire dalla selezione delle poesie fino alla realizzazione delle immagini, ho tentato di fare spazio nei miei sensi affinché si potesse manifestare una mia personale visione nata dal mio approccio alla pittura. Ed è stato un percorso graduale, un fiorire lento ma costante, tra un'erba d'estate e una luna d'inverno, tra un bosco autunnale e una montagna primaverile. È stata un'ininterrotta e intensa contemplazione dell'alba e del tramonto, e dall'alba al tramonto.

L’arte è bellezza, ma è, prima ancora, storia delle persone e del loro percorso di liberazione e di presa di coscienza del mondo e della società. Le opere d’arte non sono solo “pezzi da museo” o, peggio, oggetti di consumo di quella che viene chiamata l’industria culturale. Studiare l’arte e visitare le sue espressioni serve a diventare cittadine e cittadini. Amare l’arte non significa occuparsi dei gingilli dei ricchi, ma di un patrimonio culturale comune che appartiene anche a chi, apparentemente, non ha nulla. Un patrimonio grazie al quale scoprire che è esistito un passato diverso, e che dunque sarà possibile anche un futuro diverso. Da questa consapevolezza nasce il libro di Tomaso Montanari e Andrea Bigalli, una finestra su venti vere “grandi opere”, note e meno note, del nostro Paese. Spaziando fra venticinque secoli e venti regioni, si va da Masaccio ai Murales di Orgosolo, dall’Abbazia di Novalesa a Giotto, dai Bronzi di Riace a Carlo Levi.

Questi fiori malati è la prima monografia italiana dedicata al regista portoghese Pedro Costa. Da O sangue a Cavalo Dinheiro (miglior regia al festival di Locarno 2014) il lettore si addentra nell’estetica, nella politica e nella biografia di uno dei più grandi registi contemporanei. Da quasi trent’anni Costa porta sullo schermo cronache di resistenza e lotta quotidiana per la sopravvivenza ispirate al fotogiornalismo, alla rabbia giovane del punk e alla poesia surrealista. Storie di vite ai margini, di immigrazione e tossicodipendenza, viste attraverso lo sguardo di un regista che, scegliendo di compromettersi completamente con la materia filmica, porta avanti una continua trasformazione di se stesso e del cinema.

Regista teatrale, cinematografico e d'opera, realizzatore di scenografie multimediali per concerti rock, il canadese Robert Lepage è un caso nel teatro contemporaneo. Fin dai suoi primi spettacoli, i maggiori Teatri e Festival internazionali hanno espresso consensi unanimi e riconoscimenti per il suo teatro senza frontiere, liberato dai confini della lingua e del genere e caratterizzato da una narrazione prossima a quella cinematografica. Tra le sue regie teatrali: La trilogie des dragons, Polygraphe, Les aiguilles et l'opium, Elseneur, Les sept branches de la rivière Ota e La face cachée de la Lune.

Quando il Living creò il suo Frankenstein nel 1965-1966, già sapevano che sarebbe stato necessario creare la Creatura dai nostri corpi. Quello che non avevamo ancora capito era la vera identità del Grande Campo a noi contrapposto, e come affrontarlo. Trentacinque anno dopo la creazione del nostro Frankenstein, è arrivata una nuova generazione di attivisti e contestatori che alza la voce per individuare il mostro pericoloso dei nostri tempi. È l'incoronazione del Capitale come unico dio della società - il valore assoluto. Ed è contro questa Creatura, quest'artificio che è la legittimazione del sistema mondiale capitalistico, che i giovani si svegliano. Ed è a Québec, a Praga, a Washington, a Seattle… ed a Genova, cioè ovunque si riuniscono i potenti che dirigono la marcia verso la globalizzazione, che quelli con una prospettiva più ampia cercano di scuotere la coscienza del mondo. 

E’ un libro sulla fraternità , l’accoglienza, la bellezza delle differenze… ci siamo sempre trovati dalla parte sbagliata, ma in questo non abbiamo sbagliato mai!… per l’amore, come per la libertà, non ci sono catene! … un uomo ha diritto di guardare un altro uomo dall’alto, soltanto per aiutarlo ad alzarsi!…

Catalogo della grande mostra antologica dell’opera artistica di Bernardino del Boca realizzata a Novara, presso il Complesso monumentale del Broletto, dal 18 febbraio al 18 marzo 2017. Contiene saggi critici e la riproduzione a colori di tutte le opere d’arte raccolte (quadri, disegni e collage).

La fama di Hokusai (1760-1849) non ha fatto che crescere negli ultimi decenni. Fra i grandi artisti dell’ukiyo-e, quel «mondo fluttuante» che da oltre un secolo tanto affascina l’Occidente, è certamente il più conosciuto, amato e collezionato. Il suo eccezionale talento gli permise di affrontare tecniche e temi diversi (scene di teatro, soggetti naturalistici, paesaggi…). Alcune serie (Vedute di ponti famosi, Cascate famose in varie province e soprattutto le Trentasei vedute del monte Fuji), insieme alla Grande onda di Kanagawa, sono autentici capisaldi nella storia della xilografia. Il libro che presentiamo è un piccolo, raffinato «breviario» per tutti gli appassionati della sua opera. La prima parte contiene un saggio di Louis Aubert, sottile interprete dei maestri della stampa giapponese nei primi anni del ’900. La seconda parte raccoglie invece una serie di riflessioni sull’arte di dipingere dello stesso Hokusai che ci restituiscono tutta la vitalità e la febbrile sensibilità dell’artista.

Outsiders 2 è il seguito di un libro di successo. Un libro in cui si torna a parlare di altre storie da una storia dell’arte parallela a quella mainstream. Nuove storie di artisti che hanno avuto vite avventurose, nel bene e più spesso, nel male; a volte straordinarie figure di innovatori che non hanno avuto il successo che meritavano, a volte involontari o volontari protagonisti di momenti difficili della storia recente, a volte semplicemente ostacolati da problemi psichici, dalle proprie idee politiche, dalla povertà. Ma tutte storie sensazionali. Rispetto alla prima uscita, il libro avrà un mash-up/audio con la possibilità di ascoltare in voce alcune delle storie.

Il volume Teoria e Pratica dell'Arte d'Avanguardia di Julius Evola è frutto di anni di lavoro. Cerca per la prima volta di fare il punto, non certo definitivo, ma quanto più possibile esaustivo, della fase iniziale (1916-1921) dell’impegno culturale e intellettuale di Julius Evola (1898-1974) riunendo tutta insieme la sua opera artistica come teorico dell’arte d’avanguardia, poeta e pittore in modo da fornire ai semplici lettori, agli specialisti e ai critici italiani e stranieri quanto in precedenza era disperso e introvabile, fornendo così un’immagine finalmente completa e totale dell’Evola artista.

quattro libri dell’architettura (1570) rappresentano la summa architettonica del tardo Rinascimento e il distillato della sapienza di Palladio (di cui ricorrono, nel 2018, 510 anni dalla nascita): una sapienza empirica, costruttiva, raffinata, lungamente ricercata e modellata sul fondamentale exemplum di due illustri predecessori: Marco Vitruvio Pollione e Leon Battista Alberti. In nessun modo tuttavia Palladio può essere considerato un semplice imitatore: la materia architettonica trattata – quadripartita in dottrina classica degli ordini, edifici dei privati cittadini, costruzioni di pubblica utilità, architettura religiosa antica – pur prendendo avvio dall’attenta lettura e dal rilievo del patrimonio monumentale dei Romani, si è trasformata in invenzione originale. Il “nuovo” classico di Palladio è lontano da ogni neoclassicismo di maniera: ciò che vive nella sua architettura è un sistema di relazioni necessarie, perfettamente calcolate: proporzionalità in cui geometria e musica si armonizzano.

Marc Chagall è fra i pittori che ha ispirato il maggior numero di poeti, scrittori e critici militanti del Novecento. Per questo Marc Chagall come nella pittura così nella poesia edito da Electa in occasione dell’omonima mostra inaugurata a Mantova il 5 settembre 2018, oltre a restituire le influenze e le contaminazioni artistiche e culturali che Chagall assorbì vivendo a Vitebsk, San Pietroburgo, Parigi e Mosca, racconta la fascinazione che il pittore russo esercitò su poeti, artisti, letterati dell’inizio del secolo scorso, attraverso una ricca raccolta di scritti, molti tradotti in italiano per la prima volta. La pittrice Marevna descrive Chagall durante il suo soggiorno a Parigi (dove si trasferì nel 1910) come un personaggio del tutto a sé: “Estremamente seducente, sicuro di sé e pieno d’ambizione, abbandona molto presto il gruppo degli emigrati per avvicinarsi all’ambiente dell’avanguardia internazionale.